METACLASSIQUE

Dans un ouvrage sur la chromatique daté de 1786, L. Hoffmann rapportait le cas d’un Suisse, magistrat et peintre, qui colorait les sons des instruments : le son du violoncelle lui apparaissait indigo bleu, celui de la clarinette, jaune, la trompette rouge clair et le hautbois rose. Un peu plus d’un siècle plus tard, en 1898, Jean Clavière évoquait la synesthésie avec une hésitation terminologique riche en possibilités : il reconnaissait que l’audition colorée pouvait s’appeler hyperchromatopsie ou bien phonopsie ou encore pseudo-chromoesthésie. Là où on a commençait à impliquer le préfixe pseudo, c’est quand on a commencé à soupçonner que les phénomènes de synesthésie relevait donc du domaine des hallucinations. Dans un ouvrage entièrement consacré à l’audition colorée, de 1890, Ferdinand Suarez de Mendoza parle de « pseudo-protesthésie » pour désigner les « pseudo-sensations secondaires visuelles », mais encore de « pseudo-acouesthésie » pour les « pseudo-sensations secondaires acoustiques » et même de pseudo-gousesthésie » pour les « pseudo-sensations secondaires gustatives ». Là où les neurosciences du 21^ème siècle ne classent plus tant les synesthésies par sens que par type de relation entre l’expérience et l’inducteur, selon qu’elle est additive, arbitraire, automatique, involontaire ou idiosyncrasique (Ruiz, 2014).

Pour creuser les effets de ces synesthésie sur la conception de la musique et la création musicale, Metaclassique est cette semaine installé dans les espaces musicaux de la Bibliothèque publique d’information, avec : la musicologue Violaine Anger qui signe aux éditions Delatour, l’essai Voir le son, la philosophe Antonia Soulez qui fait paraître – aux éditions Delatour également –, Les philosophes et le son et, tout d’abord, Corinna Gepner, qui a consacré une monographie au Père Castel aux éditions Honoré Champion, inventeur d’un clavecin oculaire qui sert de point de départ ou de pierre angulaire ou de clé de voûte dans les histoires des synesthésies musicales qui a d’abord en se posant en rival aux théories de Rameau.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

• 

• 

Podcast: Play in new window | Download

Tant que possible, on pourrait vouloir augmenter son salaire, son patrimoine, ses responsabilités, son périmètre d’action. Au lieu de se laisser prendre par l’appât du gain et les logiques d’accumulation, on pourrait reporter ces logiques d’augmentation sur des matières plus artistiques. Mais le risque d’y perdre son âme ne s’en trouve pas forcément diminué. On connaît des artistes, des labels ou encore des émissions qui, croyant leur survie suspendue au marché, ne peuvent plus rien attendre de leurs arts qu’une augmentation de leurs audiences. Quand elle devient une valeur, l’augmentation peut être trépidante, exaltante autant qu’éreintante. Même si c’est encore par l’augmentation des possibles que l’on peut espérer trouver de nouvelles formes musicales et, avec elles, de nouvelles formes de liberté. En 2015, la violoncelliste Marie Ythier faisait paraître chez Little Tribeca un disque intitulé « le geste augmenté » où elle interprétait des pièces écrites pour violoncelle augmenté par l’électronique. Pour chercher par quel chemin l’augmentation de l’instrument par l’électronique se prolonger dans une augmentation de l’imaginaire musical jusqu’aux disques plus récents qu’elle a pu faire paraître, Metaclassique reçoit cette semaine la violoncelliste Marie Ythier, mais aussi le poète Charles Robinson.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

• 

• 

Podcast: Play in new window | Download

On ne compose pas à 60 à 90 ans comme on compose à 20 ans. Si bien qu’en comparant des œuvres tardives avec des œuvres de jeunesse, on peut se faire une idée du poids de la maturité sur la musique et vérifier si les stéréotypes se confirment : si la fougue s’est tarie, si le poids de l’existence pèse, si l’amertume et les regrets finissent par se dissiper. Les musiciens qui ont travaillé toute leur vie ont nécessairement gagné en maîtrise de leurs outils, mais se sont aussi plus ou moins adapté aux évolutions de leur temps. Mais si on transpose ces questions à la Renaissance, dans un seizième siècle resté l’emblème de la rénovation, on doit d’autant mieux saisir comment peuvent se nouer la maturité des musiciens et la maturation plus générale que le langage musical peut trouver dans une époque. Alors, pour questionner l’art de mûrir en musique, nous accueillons la musicologue spécialiste de la musique de la Renaissance, Isabelle His et le directeur musical de l’ensemble Thélème, Jean-Christophe Groffe.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

• 

• 

Podcast: Play in new window | Download

Parmi les bons vieux usages de la musique, il y a la propagande. Quand le disque a permis d’industrialiser les réseaux de distribution de la musique, certains militants politiques s’en sont donc aussitôt saisi pour arroser le monde de leurs idées, un peu plus largement qu’avec un simple porte-voix. C’est comme ça qu’avant d’être par cinq fois candidat aux élections présidentielles de 1974 à 2007, Jean-Marie Le Pen a connu une longue carrière d’éditeur phonographique. En publiant des discours du Maréchal Pétain ou encore des marches militaires, sa maison de disque – la SERP – a vite été repéré pour son ancrage idéologique. Mais comme par anticipation de ses stratégies de dédiabolisation et de brouillage des pistes idéologiques, Jean-Marie Le Pen a aussi édité des disques de gauche, comme une anthologie sonore du Front populaire ou encore une compilation de chansons anarchistes. Pour retracer l’histoire de la SERP, nous recevons Jonathan Thomas qui est l’auteur d’un essai paru aux éditions de l’EHESS, La Propagande par le disque. Jean-Marie Le Pen, éditeur phonographique.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

Podcast: Play in new window | Download

Dans une lettre au compositeur Carl Friedrich Zelter, le poète Wolfgang von Goethe écrit un jour, alors que le genre du quatuor à cordes était encore tout récent : « Nous entendons discuter quatre personnes intelligentes, nous pensons saisir des morceaux de leur conversation tout en découvrant quelque chose des spécificités des instruments. » L’analogie entre le quatuor à cordes et la conversation intelligente a suffisamment marqué les esprits des musiciens pour que leurs partitions s’agencent comme des questions réponses à la fois bienveillantes et profondes, une sorte d’idéal de l’échange constructif, pas loin d’une utopie sociale concrétisée. Par contre, l’analogie n’avait pas encore été saisi comme une occasion radiophonique pour inviter les quatre musiciens d’un même quatuor à doubler verbalement leurs parties, phrase à phrase. C’est à cette expérience inédite que nous avons invité les quatre membres du Quatuor Tchalik : en exclusivité pour Metaclassique, partitions sous les yeux, les violonistes Gabriel Tchalik et Louise Tchalik, l’altiste Sarah Tchalik et le violoncelliste Marc Tchalik nous offrent donc un doublage de leur enregistrement des deux quatuors de Reynaldo Hahn.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

Podcast: Play in new window | Download

Quand on écoute de la musique à la radio, on dit qu’on écoute de la musique. Mais quand on écoute un débat ou un documentaire, on dit plutôt qu’on écoute la radio. À moins qu’on dise qu’on écoute… les infos ! On peut évidemment en déduire que la musique est une chose très différente des infos, mais on peut aussi comprendre que la radio est aussi une chose bien différenciée des seules infos ou de la stricte musique. Si c’est un peu plus ou un peu moins que des infos, qu’est-ce que c’est ? Et ça, à force d’être préparée de manière particulière, la radio pourrait être une sorte de musique, est-ce qu’il lui faut une esthétique spéciale ? A moins que l’art radiophonique et les arts sonores qui s’ensuivent, sont à compter parmi les musiques expérimentales. Bref, à force d’interroger la musique par les moyens propres de la radio : Metaclassique célèbre son centième numéro en consacrant la question : à partir de quand la radio s’écoute, en tant que radio, comme de la musique. Pour cela, nous entendrons au cours de cette émission Gérard Pelé qui a fait paraître aux éditions de L’Harmattan, le livre Autour de l’esthétique expérimentale et nous serons accompagné pendant une heure par Loïc Bertrand qui a soutenu une thèse à l’Université Paris-Diderot dans laquelle il fait une archéologie des arts sonores.

Avec la participation d’Omer Corlaix.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

• 

• 

Podcast: Play in new window | Download

Depuis six mois, je passais des heures entières chaque jour à « essayer » des pseudonymes, je les calligraphiais à l’encre rouge dans un cahier spécial. Ce matin même, j’avais fixé mon choix sur « Hubert de la Vallée », mais une demi-heure plus tard, je cédais au charme nostalgique de « Romain de Roncevaux ». Mon vrai prénom, Romain, me paraissait assez satisfaisant. Malheureusement, il y avait déjà Romain Rolland et je n’étais disposé à partager ma gloire avec personne. Tout cela était bien difficile. L’ennui, avec un pseudonyme, c’est qu’il ne peut jamais exprimer tout ce que vous sentez en vous. J’en arrivais presque à conclure qu’un pseudonyme ne suffisait pas, comme moyen d’expression littéraire, et qu’il fallait encore écrire des livres.

Romain Gary semble avoir projeté dans sa vie d’artiste l’opportunité d’une vie résolue, voire absolue ou bien intégralement auto-décisive, avec la contrainte peut-être impossible qu’elle soit même pleine et entière. Depuis quelques mois, le comédien Robin Renucci et le pianiste Nicolas Stavy tournent un spectacle où des textes de Paul Valéry, Romain Gary, Arthur Rimbaud, Marcel Proust réunis autour de l’enfance à l’œuvre viennent en dialogue avec pièces musicales plus ou moins gauches et essentielles. Le pianiste Nicolas Stavy et le comédien Robin Renucci sont les invités de ce 99^è numéro de Métaclassique.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

Podcast: Play in new window | Download

Des héros de cartoons qui jouent une partition virtuose de Franz Liszt, ce sont autant d’occasions d’enchaîner les gags les uns après les autres, de dessiner un relief dans la partition, relever certains rebonds pathétiques comme des occasions de chasser une souris qui se baladerait sur le piano : bref, de tendre et détendre les humeurs musicales en synchronisant une somme d’événements qui ne s’enchaîneraient sans doute pas si vivement sans la vitalité pianistique qu’ils tapissent. Dit comme ça, le point commun avec la musique de cirque est frappant : quand l’orchestre et le déroulement du spectacle s’emboîtent si bien que l’un se synchronise avec l’autre jusqu’à ne pas savoir lequel précède. La musique et la trame narrative s’activent alors comme les deux moteurs enchevêtrés d’une même dynamique à la fois virtuose et comique. Pour croiser les perspectives entre la musique classique qui inspire des synchronisations millimétrées dans les cartoons et la musique du cirque, nous recevons deux musicologues Philippe Gonin, dont deux études sur la musique dans les cartoons sont accessibles via la page de l’émission sur Metaclassique.com et Marc-Antoine Boutin qui prépare une thèse sur al musique de cirque aux Université de Montréal et de Paris-Sorbonne

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

Lien vers les deux études de Philippe Gonin évoquées dans l’émission :
La 2è Rhapsodie Hongroise de Liszt et le cartoon
Emprunts, citations et pastiches dans les musiques des cartoons américains : une acculturation culturelle ?

Podcast: Play in new window | Download

Écoutée depuis les rangs des écoles de musique et des conservatoires, la chanson sonne comme un objet à part : comme si des études musicales bien menées ne pouvaient conduire à une vie de chanteur. Comme l’histoire de la musique voit défiler tout un tas de rencontres entre les chansons et ledit grand répertoire, toutes ne sont pas forcément des tentatives de réconciliation. Autrement dit, tout le monde n’a pas toujours pensé qu’il y avait eu un divorce entre la chanson réputée populaire et la musique estampillée savante. Et là où personne ne semble vouloir que les catégories restent aussi grossières, là où personne ne peut se réjouir de débats d’étiquettes, c’est encore dans l’idée que la chanson et la musique écrite se sont disjointes qu’elles continuent à se tourner l’une autour de l’autre comme deux entités de temps en temps amoureuses l’une de l’autre, c’est-à-dire, l’amour pour preuve, deux entités séparées. Le musicologue Étienne Kippelen a fait paraître aux Presses Universitaires de Provence, Chanson française et musique contemporaine, un ouvrage dans lequel il examine les allers et venues entre deux territoires musicaux qui, quand ils s’investissent l’un l’autre semblent respecter les frontières assez soigneusement pour tirer profit des droits de douane. Étienne Kippelen il est l’invité unique de ce numéro de Metaclassique.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

Podcast: Play in new window | Download

D’où vient que les cigales se trouvent idéalisées comme des musiciennes ? Pourquoi les papillons, alors qu’ils ne font pratiquement pas de bruit, ont-ils inspirés les compositeurs peut-être même plus que les abeilles ? À considérer l’ensemble des émissions sonores de tous les insectes, comment des créatures si petites en taille par rapport à nous, arrivent à produire des sons audibles à l’oreille humaine ? Est-ce par la seule différence de taille que nous leur manquons de respect, au point de les exécuter d’un rien ? Alors que les insectes sont promis à survivre à l’humanité, est-ce encore parce qu’ils excitent notre condescendance qu’au moment de les mettre en musique, on s’amuse à les ridiculiser ? Mais, eux : quand ils s’envoient des sons les uns aux autres, est-ce toujours pour communiquer ou est-ce que ça peut aussi être pour jouer ? Est-ce à dire qu’ils pourraient même être complices de nos musiques humaines dans lesquelles, justement, on joue à se moquer d’eux ?

Pour répondre à toutes ces questions, Benjamin Lassauzet et Alain Montandon de l’Université de Clermont-Ferrand ont organisé une pleine journée d’étude sur « Les insectes et la musique », dans laquelle s’exprimaient des musicologues comme Marie-Hortense Lacroix, Bertrand Porot et Camille Béra, mais aussi des compositeurs – Alain Louvier et François-Bernard Mâche – qui ont investi les figures et les sons des insectes dans leurs compositions, mais encore : des scientifiques spécialistes Fanny Rybak et Lionel Feugère. Les uns en présentiel, les autres en distanciel, les dix intervenants ont tous accepté que leur présentation soit enregistrée et se trouve condensée pour ce numéro de Metaclassique.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

Podcast: Play in new window | Download

Il y a des musiques qui ne semblent pas tout à fait épanouies, mais qui semblent trouver dans leur aboutissement très relatif une grâce irremplaçable. Il y a aussi des musiques qui, dans leur confection, ont pris tant de détours que c’est en évitant leur finalité de départ qu’elles ont trouvé une facture bien spéciale. Il y a même des musiques qui font exprès de ne pas chercher d’issue volontaire pour mieux sortir des cheminements trop planifiés. Pour aborder toutes ces musiques, il faut mobiliser des termes éloignés des habitudes de pensée occidentales. On ne dira pas qu’elles sont claires ou limpides, on les entendra plutôt comme vagues, évasives, voire fades ou évidées. Autant de termes auxquels le philosophe François Jullien a donné une profondeur porteuse dans un vis-à-vis entre la pensée philosophique héritée de la Grèce antique et la pensée de la tradition chinoise. La profondeur induite par ces vis-à-vis est si porteuse qu’elle nourrit le travail de musiciens et qu’elle nous a donné envie d’organiser un vis-à-vis entre le philosophe, François Jullien, et deux compositeurs portés par sa pensée : Claude Ledoux et Aurélien Dumont.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

Podcast: Play in new window | Download

Sur la partition, la plupart du temps, les compositeurs précisent quels instruments doivent jouer tel ou tel partie. Ce faisant, ils règlent le paramètre du timbre. Ils indiquent aussi la hauteur et la durée que chaque son devra avoir. Et puis, ils donnent des indications de nuance, pour affecter à chaque note ou à chaque phrase, un volume qui peut aller de pianissimo à fortissimo en passant par toutes sortes de paliers. Timbre, hauteur, durée et volume sont les quatre paramètres du son couramment cités. Mais il y a un cinquième paramètre, moins systématiquement relevé : l’espace ou, pour le dire dynamiquement, la direction du son. Au fil des précédents numéros de Métaclassique, on a souvent eu l’occasion de faire entendre comme les paramètres peuvent se renforcer les uns les autres : on va pouvoir chercher aujourd’hui comment les effets d’éloignement peuvent être installés par l’espacement des musiciens, mais aussi nourris par des contrastes de nuance ou même des jeux harmoniques. Pour commenter l’éloignement musical, nous recevons deux invités : Muriel Joubert qui est professeur agrégé au département Musique et Musicologie de l’Université Lumière Lyon 2 et François-Xavier Féron, chargé de recherche au CNRS travaille au sein du laboratoire STMS (Sciences et Technologies de la Musique et du Son) de l’Ircam. Il a consacré sa thèse de doctorat aux illusions auditives et s’intéresse plu généralement à l’impact de l’acoustique et de la psychoacoustique sur les pratiques musicales contemporaines.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

Podcast: Play in new window | Download