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Quand Brahms disait qu’on ne saurait discuter de la valeur d’une mélodie, il en faisait une valeur suprême, en même temps qu’un sujet hors de portée de l’analyse. Et c’est peut-être en en faisant un quelque chose de si sentimental qu’il échappe à toute raison. Au point que la mélodie est devenue hors sujet, quand ce n’est tabou. Pendant que les uns en magnifient les charmes, les autres en refoulent le côté sucré. Et pourtant : la mélodie aura beau être taxée d’être justement trop consensuelle pour être honnête, trop anecdotique pour résumer la musique ou encore trop subjective par un certain nombre de compositeurs modernistes, ce sont les mêmes modernistes qui ont ouvert et renouvelée la pensée de la mélodie sans doute plus qu’ils n’ont cherché à complètement l’abolir. Pour évoquer les tensions qui ont fait l’histoire de la mélodie au cours des cent dernières années, nous recevons Martin Kaltenecker qui publie aux éditions Contrechamps, l’essai L’expérience mélodique au XXè siècle.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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Si la musique peut donner l’impression de changer de couleur sans changer d’instrument, cela peut tenir dans l’évolution de l’harmonie. Une superposition de hauteurs fait un accord qui, lui-même, définit un cadre harmonique et qui, souvent, est porté à évoluer. On parle alors de « modulation » pour désigner le passage d’un cadre harmonique à un autre. Ladite modulation peut alors s’entendre comme une balise au cours de ce qu’on appelle couramment un parcours harmonique. Ces considérations forcément techniques sont aussi des vérités artisanales. Et, d’ailleurs, cela peut être à sa manière de moduler que l’on va reconnaître telle manière de composer. C’est-à-dire que la modulation peut devenir une marque de fabrique. De Schubert à Brassens, il est justement des musiciens que l’on peut reconnaître à leurs façons de faire modulation. Et puisque c’est là ce qui les réunit, c’est sans doute par là qu’il serait intéressant de les distinguer et c’est l’exercice auquel Metaclassique a invité deux musicologues. Accueilli par la Médiathèque Musicale de Paris, nous recevons Etienne Kippelen pour représenter Georges Brassens pour la simple et très bonne raison qu’il est l’auteur de l’essai Brassens & la musique. Une question d’harmonie publié par l’Université de Provence et Claude Abromont pour défendre la musique de Franz Schubert parce qu’il est joueur, mais surtout incontournable en questions harmoniques et qu’il fait d’ailleurs paraître un Précis d’analyse des formes musicales aux éditions Minerve. Claude Abromont qui a déniché une version du Voyage d’hiver pour voix et… guitare.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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On ne compose pas de la même façon selon que l’on travaille sur un instrument ou un autre. Et dans l’hypothèse où on ne compose même pas la même chose en fonction du piano que l’on utilise, la musicologie s’est ouvert de nouveaux horizons depuis qu’elle regarde les Sonates que Beethoven compose pour le piano en vis-à-vis des différents instruments qu’il a pu avoir sous les doigts. Pour chercher comment les mutations du style musical sont en rapport direct avec le passage du compositeur d’une marque de pianoforte à une autre, nous recevons Cyril Van Ginneken qui pratique le piano moderne et qui s’est vu remettre le Prix en recherche artistique 2024 au CNSMD de Lyon, en partenariat avec Metaclassique. Et comme son travail de Master à la Haute Ecole de Musique de Genève portait sur « L’influence des évolutions de la facture du piano dans l’œuvre pour piano de Ludwig van Beethoven », il s’entretiendra au cours de cette heure avec le pianofortiste Luca Montebugnoli, spécialiste des pianos des premières années du 19^è siècle et qui fait justement paraître sur le label Evil Penguin, une version de la Symphonie Eroïca de Beethoven jouée sur un pianoforte français, du facteur Sébastien Erard.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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Sous le règne de Louis XIV, la musique française a tout fait pour se distinguer de la musique italienne. Au lieu de faire des opéras, on a préféré faire des tragédies lyriques. Au lieu de faire des Sonates, certains ont parlé de « sonades ». Et quand on s’est mis à faire des Cantates, on a cherché à franciser le genre italien en y mettant des paroles en français, en suivant les inflexions de la langue française, en faisant des rythmes pointées à la française… mais comme il n’était quand même pas question de bouder les plaisirs des vocalises à l’italienne, il est maintenant compliqué d’interpréter les Cantates françaises sans aller jusqu’à les franciser plus qu’elles ne pouvaient l’être par les musiciens français de l’époque qui étaient d’ailleurs d’origine italienne pour les uns et n’étaient pas loin de faire comme si pour certains autres. Ce numéro « Franciser » de Metaclassique a été intégralement enregistré au Centre de musique baroque de Versailles en parallèle d’une formation sur les cantates françaises, dispensée par toutes celles et ceux que vous entendrez dans l’heure qui vient, à savoir, dans l’ordre d’apparition : le musicologue et responsable éditorial du CMBV Julien Dubruque, la chanteuse Chantal Santon, le chercheur et directeur artistique du CMBV Benoît Dratwicki, le violoniste Benjamin Chénier et la claveciniste Violaine Cochard.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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Il n’est plus complètement sûr que se déplacer aux urnes renforce l’ardeur démocratique. Mais dans le même temps, il est pratiquement certain que d’être sollicité à voter pendant un concert de création musicale pour l’œuvre que l’on sent se détacher, ouvre l’appétit et aiguise l’attention au cours du Festival des musiques d’Assy. À l’occasion d’une après-midi où se suivaient plusieurs concerts de création, le public a été invité à voter pour remettre un prix du public dont le moment du dépouillement était aménagé spécialement pour accueillir les micros de Metaclassique.

Au cours de cette heure, nous irons à la rencontre de la directrice artistique des Musicales d’Assy, la violoniste Pauline Klaus, qui, avec le Quatuor Lontano, a créé quatre pièces mises au concours, mais aussi des extraits du premier quatuor du compositeur Christophe Maudot, avec lequel nous échangerons aussi, mais encore la harpiste Constance Luzzati, qui a créé cinq pièces pour harpe, dont celle de Maarten Lingier, qui était lui aussi sur le plateau avec la douzaine de personnes qui se sont jointes au dépouillement, dont les mots laissés par le public pourront donc augmenter l’écoute des créations enregistrées à l’église Notre-Dame de Toute Grâce du Plateau d’Assy qui, au milieu des années 1940, a été le cœur névralgique d’une controverse parce que le père Couturier a commandé des œuvres à Georges Braque, Fernand Léger, Jean Lurçat, Germaine Richier, Marc Chagall, Henri Matisse… Autant d’œuvres qui font de cette église un musée et un lieu de créations d’artistes pas forcément catholiques, en plus d’être un lieu de culte catholique.

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On sait qu’au moment d’interpréter ses propres œuvres, Mozart continuait d’improviser et devait très probablement décorer ses sonates d’embellissements ajoutées sur le vif. Il est donc presque certain qu’il ne faut pas s’en tenir à ce qui est écrit sur ses partitions pour restituer l’esprit de la musique de Mozart. Et quand il devait laisser inachevé tel ou tel Menuet, ce n’est sûrement pas qu’il considérait qu’il était mal parti et qu’il y avait là une matière musicale de moindre qualité, mais parce que la suite lui semblait peut-être implicite ou aller de soi, dans le fil des décorations dont un musicien se doit d’embellir les partitions qu’il porte à l’oreille des auditeurs. Pour ce numéro « Décorer » de Metaclassique, nous nous entretenons avec le pianiste et musicologue Robert Levin dont la vie a changé de cap le jour où il s’est aperçu que, pour compléter les œuvres inachevées de Mozart, il fallait donc improviser. Un entretien enregistré dans le cadre du festival des Ecoles d’art américaines de Fontainebleau. 

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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Dans un essai marquant – et presque traumatisant – intitulé La Haine de la musique, Pascal Quignard décide que « Les salles de concert sont des grottes invétérées dont le dieu est le temps. » Au pied de la lettre de Quignard il y aurait donc à se demander si un compositeur qui en aurait conscience pourrait alors survivre à son temps. Et s’il fallait aller jusqu’à acter la dilapidation des êtres composants devant les gouffres du temps, on ne parlerait jamais du même Gabriel Fauré s’il fallait l’évoquer du point de vue du rituel en forme de cap qu’est, là, le centenaire de sa mort. Comme si la musique de Fauré manquait à sa consistance et, pour ne pas totalement s’évaporer, devait se définir par ce manque. Au bout d’un moment, c’est même à se demander si Fauré a vraiment voulu que sa musique existe, s’il n’a pas préféré la maintenir à un niveau d’existence justement chancelant. Pour enquêter autour de cette idée et à l’occasion de ce 300^è numéro de Metaclassique, on va faire plein de choses : demander au musicologue spécialiste des étendues Ange Ailli en quoi Fauré n’a peut-être pas tant que ça existé, organiser un salon littéraire autour de ses textes de référence avec Sylvie Gouttebaron, Johan Faerber et Alahin Badihou. Pour commencer, suivre la médiatrice de la musique Camille Villanove qui organise des promenades musicales dans les rues de Paris et qui nous emmène sur les traces de Fauré, boulevard Malesherbes.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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En l’an 509 avant l’ère commune, le fils du roi, Sextus Tarquin a violé Lucrèce, la précipitant dans un déshonneur que sa condition ne pouvait supporter, qui l’a porté à mettre fin à ses jours dans un sacrifice vengeur. Rapporté par Tite-Live, l’épisode a marqué la fin du règne des Tarquins et entraîné l’instauration de la république romaine. L’histoire étant devenue un mythe, on ne sait plus si elle a réellement eu lieu. Ses sources sont largement manquantes, là où les récits du mythe sont plutôt abondants. Avant l’opéra Le Viol de Lucrèce de Britten en 1946, mais après Le Viol de Lucrèce de Shakespeare en 1594, l’abbé Benedetto Pamphili se saisit de l’histoire et compose un poème pour qu’Alessandro Scarlatti – le père du claveciniste – en fasse une cantate en 1688. Plusieurs compositeurs vont aussi faire cantate à partir de la figure de Lucrèce : Benedetto Marcello ou encore Haendel et Montéclair. En y mettant chacun sa patte, les compositeurs soulignent des traits différents du drame de Lucrèce : du désir de vengeance jusqu’à l’extase paradoxale. En 2024, l’ensemble Les Paladins fait paraître un enregistrement de quatre de ces cantates par quatre chanteuses qui, au moment de les graver, se sont confiées au micro de Metaclassique. Pour ce numéro « Violer », vous allez donc entendre, par ordre d’apparition : Lucile Richardot, Karine Deshayes, Amel Brahim-Djelloul, Sandrine Piau avec, en contrepoint, les interventions du directeur artistique des Paladins à l’origine de cette quadrature, Jérôme Correas.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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Christophe Tarkos se définissait comme « artiste texte texteur dessin dessinateur chant chanteur lecture lecteur performance performeur mot moteur » (Le Kilo, p. 500), mais plus souvent encore comme « fabricant de poèmes ». À partir de cette définition artisanale de sa poésie, il produisait des textes, des dessins, des performances et aussi bien des livres que des K7 et CD. Mais il ne passait pas d’un support en toute indifférence. Cette émission va même tenter une hypothèse : c’est en improvisant avec son ami, le pianiste et compositeur Thierry Aué, que Tarkos a fabriqué la plupart de ses poèmes. En complicité avec la Galerie Duchamp qui présente 247 euros de photocopies des œuvres de Tarkos et à l’occasion de la parution aux éditions POL de Morceaux choisis et autres morceaux choisis, Metaclassique a voulu faire l’histoire des rapports de Tarkos à la musique. Les quelques vidéos disponibles sur YouTube pourraient laisser imaginer que la musique ne s’est associée que sporadiquement à ses performances. Alors qu’en interrogeant ses partenaires de jeu, il paraît beaucoup plus évident que Tarkos peaufinait ses poèmes en commençant par les improviser à haute voix aux côtés de fabricants de musique. Metaclassique a donc rendu visite à Eryck Abecassis au Havre, à Joëlle Léandre à Paris et à Thierry Aué à Nevers pour parcourir quelques poèmes de Tarkos fabriqués en musique. Une bonne part des enregistrements que vous allez entendre sont inédits et diffusés ici avec l’aimable autorisation de Valérie Tarkos, Nathalie Quintane et Thierry Aué.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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Dans son autobiographie Née sous un piano parue en 2020, la pianiste lituanienne Mūza Rubackytė avait stabilisé un corpus d’événements déterminants qui ont jalonné sa vie. Des sept années enfermées dans l’union soviétique à son arrivée en France en passant par la Révolution chantante, la vie de la pianiste est balisée par un panel de récits d’événements aux contours stabilisés. Et quand, à l’occasion de la saison de la Lituanie en France, la réalisatrice Agnė Marcinkevičiūtė retrace le parcours dans un documentaire portrait intitulé Mūza, celui-ci vient donc redoubler le corpus d’anecdotes instaurées par l’autobiographie. La pianiste y apparaît alors en témoin, mais aussi en actrice de sa vie, amenée à se faire l’emblème de soi-même pour pouvoir raconter son histoire. Metaclassique a voulu interroger cette fabrique du récit de soi en partant des images offertes par le documentaire pour interroger parallèlement son héroïne Mūza Rubackytė et sa réalisatrice Agnė Marcinkevičiūtė, dont nous remercions chaleureusement Linas Maknavičius de nous avoir offert la traduction des propos en français. 

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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Sous l’Ancien Régime, un certain nombre de compositeurs se sont prêtés à des canons énigmatiques. Autant de partitions qu’on ne pouvait exécuter sans avoir d’abord réussi à résoudre l’énigme qui revelait le canon, c’est-à-dire la règle du jeu ou la clé pour bien lire la partition. Cinq siècles plus tard, on ne sait pas toujours si ces canons énigmatiques se voulaient purement ludiques ou reposaient sur un sens plus ésotériques. On pense qu’ils avaient une valeur pédagogique, mais on semble hésiter à leur prêter une portée pleinement spéculative. Mais l’ignorance et les hésitations qui les entourent sont peut-être feintes, pour prolonger le plaisir de résoudre toutes ces énigmes. Pour ce numéro « Résoudre », Metaclassique a interrogé quelques participants des Entretiens de Musique Ancienne en Sorbonne qui se sont tenus en juin 2024 et qui étaient dédiés à ces canons énigmatiques. Vous allez pouvoir entendre Davitt Moroney, Renée Barbre, Felix Verry, Vincent Chomienne et, pour commencer, Vijay Ratiney qui cherche à résoudre les énigmes contenues dans l’Offrande musicale de Jean-Sebastien Bach

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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On peut composer une pièce de musique en assemblant des bouts, mais à entendre la musique en segments, reste à savoir quels principes ont pu commander leur segmentation. Si bien que la segmentation peut agir à plusieurs niveaux de la composition et par suite ouvrir l’écoute par différentes échelles au cours d’un concert donné au festival Sonomundo*. Le guitariste Omar Nicho et le saxophoniste Iñaki Bermudez ont présenté des pièces très segmentées du compositeur Keita Matsumiya et une création de la compositrice Imsu Choi. Au cours de cette heure très segmentée, nous interrogerons Keita, Iñaki, Omar et Imsu sur leur pensée de la segmentation. Leurs pensées viendront segmenter l’écoute d’une version jouée pour et enregistrée par Metaclassique de leurs deux pièces.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

*Concert produit par l’ensemble Regards avec le soutien de la SACEM, SPEDIDAM et la Maison de la Musique Contemporaine dans le cadre du Festival Sonomundo 2023. « Allure » d’Imsu Choi est une commande de l’Ensemble Regards.

Autre numéros lié au festival Sonomundo : #208 – Trafiquer

Autres numéros de Metaclassique sur le langage musicale : #158 – Bourdonner, #200 – Compresser, #225 – Arpéger, #236 – Osciller, #243 – Bégayer et #262 – Diluer.

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