METACLASSIQUE

L’année où Maelzel dépose le brevet du métronome, en 1816, Laënnec invente le stéthoscope. C’est-à-dire qu’au moment où un instrument offre les moyens de mécaniser le tempo, un autre apparaît pour mettre sous écoute « médiate » les pulsations cardiaques. Que l’on parle d’une musique qui « pulse » et on entend une musique qui se veut plus vivante que les autres sous prétexte qu’elle souligne ses pas – à moins qu’elle ne soit, alors, une musique carrément martiale. Alors qu’en écartant l’attention d’une seule question de tempo, en superposant deux notes de hauteurs très rapprochées, peut se dégager du frottement harmonique : un battement, peut-être une autre sorte, plus granulaire, de pulsation. D’où l’envie de consacrer un plein numéro à la pulsation, à démêler ou encore mieux emmêler la pulsation dans le grain et la pulsation striante, celle du métronome. 

Enregistré dans l’espace musique de la Bibliothèque Publique d’information au Centre Pompidou, ce numéro de Metaclassique va donc creuser la pulsation. Et comme ces questions impactent directement les manières de se projeter dans le verbe, nous recevons la poètesse Anna Serra qui porte l’idée et la dynamique d’une « poésie pulsée* », le compositeur Florent Caron Darras dont la musique pulse sous des échelles qu’il préfère varier entre elles et les accordéonistes Fanny Vicens et Jean-Etienne Sotty qui forment le duo XAMP, avec des accordéons augmentés qui descendent volontiers en-dessous du conventionnel demi-ton… et que l’on entend d’abord jouer Wander Steps, une pièce composée pour eux par Pascale Criton.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

* cf. Note Poésie Pulsée, in Je suis amoureuse, ed. Lanskine, 2019.

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Le verbe « Frémir » est souvent défini comme un verbe actif : frémir veut dire : « s’agiter avec un bruissement. » Mais le verbe s’emploie aussi bien pour décrire un tremblement subi : frémir veut dire alors : « être agité d’un faible mouvement d’oscillation ou de vibration qui produit un son léger, confus ». Par exemple, l’eau qui frémit avant d’entrer en ébullition peut bien passer pour une eau qui subit les effets de la chaleur : tout en perdant son calme, au moment de bouillir, c’est tout de même bien quelque chose d’elle qui semble faire agitation. Le frémissement passif n’est peut-être jamais loin de basculer dans la franche ébullition, active, sans ambiguïté. En 2019, le compositeur Juan Arroyo a composé JH, tribute to Jimi Hendrix – une pièce pour guitare seule créée par le guitariste Omar Nicho.

C’est avec la complicité de Bastien Gallet que Metaclassique a proposé à Omar Nicho de donner l’œuvre en public et à Juan Arroyo de venir la commenter. Et c’est le moment venu que le compositeur a décidé que ce numéro serait scellé sous le titre verbe : « Frémir ». Un numéro de Metaclassique qui a donc été enregistré en public dans les locaux du collectif de création et de production artistique La Centrale 22, qui se terminera à la manière d’un récital, avec des pièces de Villa-Lobos et Jean-Sébastien Bach et qui commence par trois mouvements de JH, tribute to Jimi Hendrix de Juan Arroyo.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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Pour ouvrir un opéra, l’usage veut que l’on commence par une « Ouverture ». Si bien que l’ouverture n’est pas tout à fait un opéra, n’est peut-être même pas réellement un genre musical. Quoique l’ouverture est suffisamment un genre pour avoir des critères formels repérables, variables d’un pays à l’autre, évolutifs d’une époque à une autre. Mais alors qu’elle semble tout faire pour avoir la souplesse d’une musique fonctionnelle, l’ouverture développe des factures assez consistantes pour passer d’un contexte à un autre jusqu’à parfois changer de fonction sans même changer de forme.  Dans ce numéro « Ouvrir » de Metaclassique, nous allons évoluer de la fin du xvii^è siècle au début du xix^è avec le musicologue Louis Delpech de l’Université de Zurich qui signe aux éditions Brepols le livre Ouvertures à la française qui trace les migrations du genre dans l’espace germanique entre la fin du xvii^è et le début du xviii^è siècle et le musicologue et claveciniste Matthieu Franchin qui termine en Sorbonne  une thèse sur le répertoire musical qui accompagnait les spectacles de la Comédie-Française de sa création, en 1680, à la Révolution française. Pour ouvrir ce numéro « ouvrir », voici une ouverture de Georg Philipp Telemann.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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Critique musical dès l’âge de 14 ans, compositeur pour les Ballets Russes de Diaghilev, Georges Auric a aussi été un compositeur de nombreuses musiques de films – notamment pour son ami Jean Cocteau –, mais encore président de la Sacem de 1954 à 1978. Malgré des collaborations prestigieuses, un catalogue d’œuvres immense et de grandes responsabilités musicales, Georges Auric ne jouit pas d’une postérité beaucoup plus rayonnage que ça. Il nous faut même aller aux États-Unis pour trouver un spécialiste de l’œuvre d’Auric. Metaclassique reçoit cette semaine Colin Roust de la faculté de musicologie de l’Université du Kansas, auteur aux presses universitaires d’Oxford de la première biographie en anglais consacrée au compositeur, Georges Auric, qui aura vadrouillé d’une fonction à l’autre, jusqu’à composer la musique du film culte La Grande Vadrouille.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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Les berceuses doivent être lentes. Les berceuses doivent rester dans des volumes sonores très doux. Pour accomplir leur mission d’apaisement par le son, les berceuses ne doivent pas faire de sauts d’intervalle trop grands ou trop brusques. Plus on cherche à établir les critères musicologiques qui font qu’une berceuse est une berceuse, plus sa fonction d’endormissement risque d’être la seule vertu qu’on peut lui prêter. Au lieu de se laisser enfermer dans une vision quasiment comportementaliste de la berceuse, des étudiants en musicologie de l’Université de Grenoble ont procédé à une collecte. Au moment de mettre en commun les berceuses, ils se sont aperçus qu’elles n’avaient pas toutes été transmises dans l’état où elles avaient été reçues. Alors, à force de laisser miroiter une loi universelle des berceuses, une fiction s’est petit à petit installée : et si un État venait à vouloir créer la berceuse parfaite, capable d’apaiser, voire d’endormir, l’ensemble de la population. Comme l’absurde de la situation tend à prouver qu’il n’y a justement pas de critère formel pour distinguer si définitivement une berceuse d’une non-berceuse, cette émission est un documentaire, puis une fiction et, dans le même temps, une exploration des limites d’un genre d’une réputation très douce qui ne lui a jamais empêché de colporter des histoires sombres, parfois même proches de l’horreur.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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Quand on met en scène trois sœurs, la convention veut qu’on propose de répartir les trois rôles entre trois chanteuses : au lieu de quoi, quand il a fait un opéra en 1998 à partir du roman Trois Sœurs de Tchekhov, le compositeur Peter Eötvös a préféré mobiliser trois chanteurs, contreténors. 25 ans plus tôt, au début des années 1970, le même compositeurs avait composé une pièce Harakiri pour deux flûtes traditionnelles, des flûtes shakuhachi qu’à l’occasion, il remplace volontiers par des clarinettes basses. En retraçant, avec lui, son parcours musical, ce numéro « Substituer » de Metaclassique va tenter de montrer comment l’écriture musicale du compositeur Peter Eötvös se joue des styles pour forger des alliages sonores tout de même très personnels à force de jeux de substitutions.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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Il y a trois cents ans, dans les années 1720, des médecins cherchaient à pister rationnellement les bienfaits de la musique. Les discours se multipliaient alors pour valoriser un usage raisonné de la musique et encourager un recours médical aux beaux sons. Alors que le siècle des Lumières semble avoir promu les plaisirs de musique au rang de moyens rationnels d’atteindre ou de conserver les meilleures dispositions de corps et d’esprit, les scènes d’opéra semblent de plus en plus excitées à faire trébucher leurs protagonistes pas loin de la folie. Pour mettre en dialogue ces deux façons de raisonner la musique au 18^è siècle, nous recevons Philippe Sarrasin Robichaud qui étudie, entre la Sorbonne et l’Université du Québec à Trois-Rivières, les discours sur les effets de la musique et Marie-Cécile Schang qui enseigne à l’Université de Bretagne-Sud et qui s’est intéressé aux personnages d’opéra qui intéressent d’autant plus les dramaturges des années 1780, qu’ils sont sur le point de perdre la raison.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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Quand on choisit de jouer de la guitare électrique, ce n’est pas forcément pour jouer du Mozart ou du Vivaldi. Mais quand on choisit de jouer de la guitare électrique, on n’est pas non plus tenu de se priver de jouer les musiques d’avant l’électricité. D’ailleurs, quand on joue de la guitare électrique, on ne devrait pas se sentir obligé de secouer la tête et de faire du rock. Au cours de ce numéro de Metaclassique, vous allez entendre successivement quatre guitaristes électriques : Noël Akchoté, Christelle Séry, le bassiste Kasper T. Toeplitz et Julien Desprez. Si leurs univers musicaux sont très caractéristiques et donc très différents les uns des autres, ils ont ceci en commun de désobéir à l’héritage rock de la guitare électrique et de dessiner leur évolution musicale dans une réflexion sur leur instrument. 

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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« On ne doit pas oublier que la musique comporte plusieurs niveaux d’écoute. Elle peut être sensuelle et n’être que cela. Son effet sur le corps est alors capable d’être très puissant, sinon même hypnotique. Elle sait aussi exprimer toutes les facettes de la sensibilité. Mais elle est probablement seule à susciter parfois un sentiment très particulier d’attente et d’anticipation du mystère, d’étonnement, que suggère la création absolue, sans référence à quoi que ce soit, tel un phénomène cosmique. »

Même si on ne dirait pas, ces phrases viennent d’un compositeur polytechnicien. Iannis Xenakis était donc compositeur, mais aussi architecte et en recherche constante d’une liaison avec la nature. Et comme sa musique est alors en prise avec de très savants calculs, il reste à éclaircir comment mathématiques et nature arrivent à concourir dans ses formes sonores : est-ce que l’appel de la nature l’amène à tordre ou bien redresser son rapport aux nombres ?

A l’occasion du centenaire de sa naissance il y a six mois ou dans six mois, nous réunissons dans l’espace musique de la Bibliothèque publique d’information : la fille du compositeur : Mâkhi Xenakis et un spécialiste qui compte aussi parmi ses ardents défenseurs de longue date, le musicologue Makis Solomos. Au cours de l’émission, nous mobiliserons aussi l’expertise de Nicolas Viel, auteur de l’essai La musique et l’axiome aux éditions Delatour, il reviendra sur le statut particulier que Iannis Xenakis avait au sein du groupe de musique algorithmique, à la fin des années 1950.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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D’un côté, de bons concepts ne peuvent pas suffire à faire de la bonne musique. D’un autre côté, la hiérarchie entre les grands compositeurs historiques respectent assez scrupuleusement la consistance du contenu intellectuel de telle démarche. À force de creuser ces ambiguïtés, le compositeur Morton Feldman pense que l’intellectualité n’est pas pour rien dans l’élaboration de la musique, tout en ouvrant l’idée d’intellectualité à la poésie. Mais, au risque d’en gâcher la portée pratique, il se garde de définir trop précisément la poésie. De même avec la « sublimation », un maître mot récurrent dans les master classe de Morton Feldman : au fil des occurrences, l’idée de « sublimer » gagne une grande importance, sans tout à fait recevoir une définition stricte. C’est donc par ces recherches de poésie, de sublimation que la musique est portée Au-delà du style. Au-delà du style est le titre de la traduction française des entretiens et masterclass de Morton Feldman publié par les éditions de la Philharmonie de Paris. Et c’est grâce à leur soutien que Metaclassique vous offre une adaptation radiophonique de ces entretiens et masterclass avec, dans le rôle de Morton Feldman, le comédien Fabrice Fara, la voix française de Sheldon Cooper, le héros de la série Big Bang Theory.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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Est-ce que l’histoire de la musique serait différente si les dinosaures avaient survécu plus longtemps ? Est-ce que les sons graves sont aux contrebasses ce que les feuillages en hauteur sont aux longs cous des girafes ? Pour la préservation de quelle espèce de musiciens la Sonate peut-elle être un avantage ? Il est bizarre, dommage et peut-être même sérieusement naze que les théories de l’évolution n’aient donné à la musicologie l’envie d’élargir ses questions. Au début du 20^ème siècle, le musicologue Jules Combarieu a avancé un certain nombre de questions musicales dans les perspectives évolutionnistes. En vrai, Jules Combarieu a été professeur de lettres au lycée de Cahors, puis au lycée Louis-le-Grand avant de devenir inspecteur de l’académie de Paris, après avoir fondé la Revue d’histoire et de critique musicales qui est vite devenue la Revue musicale. Pour ce numéro de Metaclassique, Jules Combarieu est surtout l’auteur, en 1906, de La musique : ses lois, son évolution, un ouvrage proposé à huit étudiants de l’ENS de Lyon comme le point de départ d’une variation radiophonique sur l’évolutionnisme en musique. Enregistrée en public au Théâtre Kantor à Lyon, cette fantaisie radiophonique commence comme un documentaire animalier pour continue de manières diverses, variées et, quelquefois, recroisées. Avec, par ordre d’apparition : Julen Hiriart, Justine Calle, Joséphine Tredez, Alexandre Le Pors , Caroline Hildebrandt, Thomas Bingham, Ambre Digonnet et Manon Rech.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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Il est quelquefois reproché aux artistes de vivre dans leurs bulles. Là où tout est pourtant très bien organisé pour que, casques immersifs et autres isolations phoniques pour preuve, celles et ceux qui écoutent se trouvent aussi dans des bulles, que Peter Sloterdijk appellent des « phonotopes ». Dans la trilogie des Sphères, le philosophe réfléchit à ces audiosphères comme autant d’isolats qui organisent des démarcations entre dedans et dehors, c’est-à-dire des systèmes immunitaires. Plus précisément qu’un refuge, l’individu en-capitonné de sons vient donc trouver dans la musique une sorte d’immunité. D’autant qu’en plus de cerner les contours des individus, la musique les appelle à écouter les intermittences de leurs fondements. Dans le livre Tu dois changer ta vie, Peter Sloterdijk replace la virtuosité dans une histoire de l’ascèse qui laisse entendre les gammes comme autant d’exercices spirituels, l’effort pour s’améliorer venant alors surplomber toutes les expressions artistiques. Le philosophe Peter Sloterdijk a reçu les micros de Metaclassique à son domicile à Berlin.

Une émission produite et réalisée par David Christoffel.

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